《曙色紫禁城》演出照，袁慧琴在剧中扮演慈禧。

　　“走访”过上海、重庆、武汉、威海、沈阳、广州、深圳、香港等许多城市，5年时间演出近40场……在清宫题材剧泛滥并招致一些争议的当下，一部以京剧形式演绎的清宫题材作品却“走南闯北”，超越不同地域的审美差异，“奇迹”般地长演不衰，它就是新编历史京剧《曙色紫禁城》。

　　京剧版《曙色紫禁城》由话剧版改编而来，原名《慈禧与德龄》，是全国政协委员、京剧表演艺术家袁慧琴创意发起并亲自主演的。继1996年在《火醒神州》中扮演慈禧后，再次在舞台上塑造慈禧这个历史人物，袁慧琴在京剧人物演绎上有哪些不同的感悟和体会？作为文艺工作者，应如何更好地将京剧艺术传承下去？传统京剧艺术应如何更好地满足当下观众的审美情趣和需求？为此，本报专访了袁慧琴，她从《曙色紫禁城》的创作缘起出发，在对艺术经历的回顾中，不觉深入到京剧艺术的传承与创新，引申出文艺工作者所肩负的使命和责任。

　　“用艺术点燃艺术”

　　文化周刊：毛俊辉导演、何冀平编剧的话剧版《曙色紫禁城》在改编为京剧之前，就已取得巨大成功。您为何想到要将这一题材转化为与话剧表现方式迥异的京剧？

　　袁慧琴：这要追溯至2008年，我在国家大剧院看到话剧《慈禧与德龄》（改编时更名为《曙色紫禁城》）的演出，觉得这个故事非常精彩，用京剧也可以出色地表现出来，便几经辗转找到何冀平编剧，贸然打去电话，说明了自己的想法。她当时觉得很突然，经过一周的慎重考虑后才给我答复，表示非常赞同我的创意与想法，并决定要亲自改编剧本。听到此话，我感到非常激动，一是自己的想法得到了创作者的肯定；二是何冀平作为原作者亲自操刀改编，可以很好地保证将这个故事改编成京剧的意义。

　　这是何冀平第一次写京剧，一连改了三稿。在修改过程中，面对即使一位普通演员所提出的问题和建议，她都会认真去思考，如果觉得有道理就会做出相应调整。在这个充斥快餐文化的时代，一位艺术家还能对艺术的追求如此执著与严谨，这对于我们演员来说，真是一个非常好的学习机会。

　　让我深有感触的还有毛俊辉导演，第一次见面他就对我说，“艺术家必须要有一颗赤子之心。”这句话我一直记着，因为我觉得，要做好艺术就一定要有这样的精神。秉承毛俊辉强调的赤子情怀，在整个创作过程中，剧组对艺术的要求是极为严格谨慎的，气氛又是愉快和谐的。从2010年3月8日建组，到4月28日正式演出，我们仅用了1个多月时间。整个排练过程中我没请过一天假，因为我觉得作为主演，应该在团队中起带头作用。一部戏的排练和最终呈现，也是对剧组团队的一种磨炼和检验。让我感到特别欣慰的是，很多青年演员在其间得到了锻炼和提高，这种成长的价值是超越作品本身的。根据计划，《曙色紫禁城》明年3月3日还将在北京与观众见面，在近5年的时间里，演出总场次已近40场。有朋友告诉我说，《曙色紫禁城》是近几年新编历史剧演出场次最多的，我觉得这是观众的肯定，说明我们的用心和艺术表现得到了认可。这也说明，京剧作为一种传统艺术，本身是有强劲生命力的。

　　文化周刊：与传统京剧相比，您觉得《曙色紫禁城》融入了哪些新鲜元素？

　　袁慧琴：《曙色紫禁城》从话剧版本改编而来，从缘起、决定、排练到最后形成的过程，可谓是在用艺术点燃艺术。在人物形象塑造上，它打破了传统戏曲对历史人物那种非白即黑的脸谱化、公式化模式，而是用“家事写国事”，站在人性的角度对慈禧、荣禄、光绪、德龄等人物进行诠释，力求使固化的人物形象变得鲜活生动。其中有一场描述慈禧与荣禄之间关系的戏，就表现了慈禧作为一位暂时褪去光环的普通女人，其内心真正的喜怒哀乐。很多传统戏中的慈禧角色塑造，呈现更多的是她站在高位上的位高权重与气势凌人，但其背后的孤独、无奈、寂寞与痛苦则往往容易被忽略。因此，对于历史人物，我们需要进行科学判断，不能一味地简单地“贴标签”，这样是违背历史规律的，也是不符合实际的。

　　艺术本身要表现一种来自内心深层次的东西，才能将动心动情的内容呈现给观众，才会具有可信度和艺术感染力。《曙色紫禁城》这部戏，冷眼一看觉得就是一部普通的清宫戏，但当你坐下来静静地去品味时，发现它里面其实深藏了很多东西，甚至包括对于改革的理解和探索。德龄在剧中曾说过一句话，“人心一旦打开是不可能再闭锁的”。其实这句话有隐喻，即一旦开始改革，就必须往前走，不可能再随便把它“拉回来”。从这一角度而言，它颠覆了传统戏剧直抒胸臆的审美方式，有深度又不失温度。

　　在抱诚守真中与时俱进

　　文化周刊：《曙色紫禁城》将话剧改编成京剧，可谓一次融合现代元素和创新理念的成功尝试。您觉得在21世纪的今天，中国京剧艺术如何才能得到更好的发展？

　　袁慧琴：中国的传统戏曲是很强调基本功的，即平常所说的唱、念、做、打，这是我们必须要继承并发扬的。但在21世纪的今天，我们需要思考更多，京剧在发展多年后还能存活至今，究竟靠的是什么？原因可能有很多，但有一个很直接、很朴素的原因，就是每个时代都出现了一批优秀的艺术家，他们创作了一批适合当时观众审美情趣的艺术作品，进而延续和拓展了整个艺术门类的生命。艺术要发展，必须在抱诚守真的基础上，坚持创新，坚持与时俱进。否则，将远远不能满足当下观众所需的信息量和审美需求了。

　　古希腊戏剧、印度梵剧和中国戏曲被称为世界三大古老剧种。经过漫长的历史沉淀，今天只有中国的戏曲还有“生命”，并生机勃勃地发展着。因为它在不断地与时俱进着。我们作为戏曲的传承人，不只是一个简单的技术沿袭者，还应从戏曲艺术发展和繁荣的角度来思考艺术本身。这就需要艺术家不断创作出艺术精品以满足观众的审美，进而引导和影响观众，而不是一味的迎合观众或娱乐观众。正如习总书记在文艺工作座谈会上所强调的，艺术家应该成为时代风气的先觉者、先行者、先倡者。

　　传统戏曲在表现过程中往往是“一旦人物抒发感情，整个剧情就停滞不前”。比如传统戏曲中经常出现这样的情景：后面有很多追兵，主人公却可以停下来用大段时间来抒发情感，演绎唱段，剧情完全停滞了。这种方式适合传统戏迷，传统审美观念就是我坐在剧场，就要听这个角儿的这段唱腔。面对如今多元化的审美，如果一味停留在一种审美观念、一种表现模式上，肯定会被时代所抛弃。艺术是敲动人内心灵魂的东西，传统艺术要和当下结合，才能达到艺术上的创新，这种创新不能简单停留在技艺的改变上，还要寻找方法，比如解决京剧节奏慢、科学运用现代技术手段、传播方式现代化等问题。

　　当然，艺术创作既要适应当代观众的审美需求，又必须要做到“万变不离其宗”。前段时间，我们进行《曙色紫禁城》的复排，把布景设计成了“大写意”，即回归到凸显演员的戏曲本质。这有关戏曲美学，因为艺术本身就是人物的塑造，有些戏曲的布景热闹非凡，看得观众眼花缭乱，但观众一旦离开剧场，却发现既没有引起共鸣，也没有引发思考。这种现象很可怕，因为这只满足了一时的感官刺激，没有真正满足基于艺术的精神需求。在请毛俊辉导演《曙色紫禁城》之前，我也曾有过这样的顾虑，但跟他交谈后顾虑全然打消了。他当时就说，要坚决站在京剧这块土壤上进行创作，回归戏曲、京剧的本原。听完这席话，作为一个京剧人、戏曲人，我很感动。

　　文化周刊：那应如何做到既保持京剧的本原又融入现代的元素，实现现代技术与传统艺术的有机结合？

　　袁慧琴：找准切入点是关键。这让我想到自己曾拍过的一部数字戏曲电影《对花枪》，这部电影能在好莱坞第五届中美电影节上获奖，很大原因在于有一个108句唱腔的长镜头。这部舞台艺术片需要演员具备深厚的基本功，特别是在设计108句唱腔的表演时，也曾考虑过用不同场景来表现，比如拍到姜桂芝年轻时的唱段时，就展现她年轻时的场景，后来经过仔细思量，最终选用了长镜头，把这108句唱腔中所蕴含的喜怒哀乐通过一气呵成的表演、技艺、演唱表现出来，实现技和艺的有机结合。

　　这一长镜头的背景设计采用了很多现代特技，为了突出表现演员唱念做打的技艺并深化作品内容，剧组选择在西方戏曲常用的黑色背景中设计表现人物情绪的场景。一般情况下拍摄一首MTV最多花费4分钟，而这个长镜头用时23分8秒，根据人物的喜怒哀乐，用特技“描述”了大量中国传统元素，比如中国结、剪纸、水墨画等等。京剧这一古老艺术与现代技术在这一长镜头中实现了完美结合，颇具时代感，得到了广泛的好评与肯定。

　　文艺家需具备“无我”境界

　　文化周刊：一部优秀的戏曲作品，离不开文艺工作者的精彩诠释与完美演绎。您觉得文艺工作者在艺术精品的创作中应该发挥怎样的作用？

　　袁慧琴：习近平总书记在文艺工作座谈会上强调，精品之所以“精”，就在于其思想精深、艺术精湛、制作精良。我们始终在朝着这一方向努力。《曙色紫禁城》已经排演过很多场，再过几天，何冀平编剧和毛俊辉导演还要专程赶到北京，一起来探讨这部戏在现有基础上，如何再精益求精地进行打磨和推广。现在都在提倡出精品，其实怎样出很重要，而不是打着出精品的旗号，支出高额的费用，拍完就扔一边不管不顾了。

　　出京剧精品，剧本的选材和创作的思路至关重要。有一位戏曲专家就曾说，选对好的剧本，需要有头脑的艺术家。就是说，不管是剧本创作者，还是艺术工作者，在创作或演绎任何作品时，首先思路得清晰，定位得准确。刘海粟先生也曾说过，演员比来比去，最后比的是文化。其实从演技来说，优秀的演员虽各有千秋，但到一定层次后大都在伯仲之间，最后比拼的其实就是文化，就是内心深处对艺术的理解，以及综合的人文底蕴、人文修养。

　　出精品，还要有相应的境界。戏曲演员进行创作一定要有一种“无我”的境界，才能抓准人物脉络。真正的艺术家是放下自己，先站在整部戏的高度来思考人物的意义及如何更好地刻画人物，再在刻画人物的过程中去尽情发挥唱、念、做、打的技艺，实现两者的完美结合，而所有的艺术演绎都是为塑造人物服务的。

　　1996年，我就曾在《火醒神州》中扮演过慈禧，那时还处于对新剧目创作的萌芽状态，剧本及所呈现的人物性格也与《曙色紫禁城》有着截然不同的风格，但那时我开始关注人物塑造与展现艺术家自身技艺之间的关系问题。如果一上来就关注某段唱能不能叫好，哪儿还能再发挥一下，肯定就把整部戏剧结构及人物内外在的逻辑打乱了。尤其是有了一定成就的艺术家，很容易把自己凌驾于作品之上，这样很难出现真正的好作品，因为他把自己的符号永远定格在戏中，观众看不到作品，看不到人物，看到的只是他本人，他本人又能给观众传达多少信息呢？

　　大家都在谈振兴京剧，怎么振兴？这不是单纯喊口号倡导就可以解决的问题，还需要沉下心来思考。我觉得非常重要的一点就是要振兴中国京剧自身内在的文化，具体到我们这些京剧艺术工作者，自身首先需要沉淀下来，静下心来，思考什么是真正的好作品？作品怎样才能适合当下观众的审美情趣？作品要精湛，必须经历千锤百炼。而作品的千锤百炼，又何尝不是对文艺工作者艺术修为和情感情怀的千锤百炼，何尝不是对艺术精神本身的千锤百炼！