近代，艺术与时尚最早的邂逅可能来自Elsa Schiaparelli，她可以称得上是20世纪最伟大的设计师之一，虽然她的时装屋已经关闭了大半个世纪，但仍在历史上拥有和Coco Chanel平起平坐的地位。Elsa Schiaparelli的设计作品深受其好友——超现实主义画家Salvador Dali影响。他们合作的“Tears Dress”和“Skeleton Dress”便是留世佳作。

此后，我们就在秀场上不乏看到这样的合作：时装大师Yves SaintLaurent的“MondrianDress”；Dior设计中Andy Warhol的插画等等。

然而，近年时装大牌们却愈来愈重视时装秀场，大都出手非凡：LV前不久在巴西沿海的一座UFO建筑安排走秀，而后便安排了里约热内卢Niteroi当代艺术博物馆发布新品；Gucci在伦敦威斯敏斯特教堂发布最新系列使它声名大噪。正如Armand Hadida所说：“朴实无华的走秀已成过去式。”

今天的秀场包含更多视听元素并有更高的移情价值，因为在今天观秀的实际情况可能是你不会记得衣服，但秀场却让你久久难忘，如老佛爷在14年的超市展，12年的水晶森林和“龙宫”珍珠海滩。因此奢侈品越来越重视秀场设计，效果堪比艺术展，甚至把秀场直接搬进美术馆。

令人印象最深刻的还是Karl Lagerfeld在14年上演的Chanel超市秀，令人们心中的高级时装如此接地气。一般观众往往会赞叹老佛爷就是位老顽童总会不按理出牌。

但是明眼人就不免会想到Andreas Gursky（安德烈亚斯·古尔斯基）的作品《99美分》等等诸多艺术家的作品。看起秀场展示就难免感觉有些生硬，但美却吸引你进去，这种分离感却不知不觉满足了我们的扮演欲望。这大概就是为什么我们觉得假，但是又继续看的原因之一吧……

秀场也并非一开始就这样受重视。在早期时装潮流不断变化的阶段，秀场还是老样子。模特Christine Low活跃于1987-1993年间——“当时发布会规模不大，主题主要借由音乐来呈现，”她回忆说：“哪像现在，大皇宫每年都被Chanel改造出不同模样。”

1989年，时装记者Roger Tredre形容巴黎郊区的秀场时说：“秀场就像战争中被轰炸过一样，光源来自毫无焦点的泛光灯。”模特在坑坑洼洼的T台上深一脚浅一脚，在一旁席地而坐的除了媒体、买手以外，还有附近的北非人和印度人。

除了设计师创作的热情以外，“从1990年代起，时尚界展开了一场军备竞赛。”法国奢侈行业分析师Luca Solca发现，时装设计师们绞尽脑汁，试图用秀场和布置惊艳四方，给买手与媒体留下深刻印象。

我们就来看看在今年时装秀场上，当代艺术与时尚产生了怎样的碰撞：

　　品牌：Louis Vuitton

　　未来主义

巴黎时装周上Louis Vuitton 一如既往在基金会博物馆大楼里发布新系列。他们在 Frank Gehry 设计的方形帆船博物馆旁搭了金字塔和半球形两个临时空间，几何形体的秀场极具未来感——像一块探索未来和宇宙的基地。秀场内部是一个由破碎的镜子所组成的城市，像一片未来高科技的废墟或是亚特兰提斯城沉到海底的一座失落的未来城市。我们仿佛进入了发现未来的考古之旅。这季秀场由设计师和Justin Morin合作，秀场内部以奇怪的角度耸立的五十多根柱子几乎照搬了Justin Morin的《融化之骨》。艺术家深受极简、光与空间运动以及欧普艺术影响。有趣的是艺术家的工作范围一直都是处于艺术与时尚这两个世界之间的边界。Justin Morin明确地表示，这两个不同的世界从没相撞在一起，直到：艺术家将艺术界与时尚界这两种美丽行业的本质功能呈现出来。无论如何，现场200000块半破碎的镜子和35吨染色沙石的制作，让我们不得不承认——虽然秀场传达的概念离谱，但是我们很享受……

　　品牌：Roksanda

　　克莱因蓝

Roksanda Ilincic秀场里所有墙面都涂成了夜空般的深蓝色，这让人想起20世纪50年代，法国波普艺术家Yves Klein（伊夫·克莱因）在米兰画展上展出的八幅同样大小的画板上，涂上的近似于群青色的颜料——“克莱因蓝”（International Klein Blue，简称IKB）。而这种颜色的标准配方则由这位陷入异教的艺术家掌握。同时秀场的布景也让人想起那部经典的邪典片《午夜守门人》，以及传奇摄影师Deborah Turbeville的作品。

　　品牌：Phillip Lim

　　象征主义

Phillip Lim的金字塔土堆融合和过去和未来，带有强烈的原始未来主义的气息。他这样解释说：“我在想一切事物的起源在哪儿？应是从种子开始，从泥土开始的”。秀场布景采用锥形土堆，金字塔般的造型通过象征主义引发人们关于过去与未来的思考。这让人想起艺术家Wolfgang Laib（沃尔夫冈•莱普）讲述他的创作时，说：“花粉是植物生命的潜在开端。它是如此简单，如此美丽又如此复杂。”Phillip Lim秀场对朴实的泥土地的使用，非常像Wolfgang Laib的创作观念。

　　品牌：Mary Katrantzou

　　波普艺术

Andy Warhol的装置“Silver Clouds”在纽约一家画廊里展出。那是1966年，他在展览现场制作了许多气球，它们随着空气流动在展厅中漂浮、相互碰撞，气球闪耀着银色光芒，整个氛围空灵又愉悦，观众置身其中并且触手可及。Mary Katrantzou秀场灵感来就自该现场，他们在今年的秀场上使用无数只银色锡箔包裹的气球打造了一个易碎的未来梦幻天堂。 

　　品牌：Dior

　　概念艺术

Dior秀场总是利用艺术装置营造摩登气息，今年他们在卢浮宫打造了一个迷人的未来十足的隐形空间。外墙体全部铺面镜面，整个秀场仿佛是一个不存在的空间，隐藏在了卢浮宫面前。现场，天空和建筑的镜像与具象接合又有轻微的扭曲。让人不禁想起特纳奖获得者安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）那些凹凸和图像的反射将人的感受引领到另外一个层次的装置，当装置的表面与周围景象兼收并蓄之后，产生出了一种超然的力量或超常的状态，这也是对另外一个层次的空间和观念的延伸——就像秀场从两个巨大的圆形入口走进内部的设计。而内部红色和金属银色的装饰也极具未来感，平行排列的多层圆形壁板又是带人进入层层透视感。整个秀场的设计就仿佛是再次进入艺术家的作品里，非常符合秀场借由作品展示给我们的那样：在这个世界找到一条缝隙，用明暗、凹凸、反射、颜色等暗示，进行一场现象和精神之间的对话。同时，这也是艺术与时尚的一次对话，模特的高冷跟卡普尔作品中超然意向的统一，似乎很有看头很加分。

　　品牌： Rodarte

　　极简主义

Rodarte（罗达特） 时装品牌，由来自美国加州的设计师凯特·穆里维 （Kate Mulleavy） 和劳拉·穆里维 （Laura Mulleavy） 姐妹创建。秀场让人想起Francois Morellet（弗朗索瓦·莫尔莱），一位出生于1926年的法国的超现实主义艺术家。他常用利用光线与几何的组合，来营造出神奇的视觉效果。作品主要由各种颜色和造型的霓虹灯组成，看似简单的布置与空间结合后却能带来不一样的效果。极简主义大批地影响各品牌，如Givenchy、Proenza Schouler等。这是时代的塑造的力量……

　　品牌：Anya Hindmarch

　　欧普主义

设计师Stuart Nunn用既能发光也能接受光的LED像素板创建了一个多彩的秀场布景。他以像素为灵感，并告诉我们T台其实是一个巨大的游戏机内部。那些方块其实就是像素，模特走秀就是玩一场经典像素游戏。这让人想起日本艺术家Tatsuo Miyajima在1987年发现的发光二极管，即LED，他用这种简单的媒介围绕着探讨生命、死亡、时间等抽象而迷离的话题进行创作。秀场的色彩不一的像素格子使人想起Tatsuo Miyajima霓虹装置上的数字，这些数字来自几个普通人的生日，艺术家在这里结合大众的用意似乎和秀场的设计观念是一样的，但秀场把这观念似乎运用得活色生鲜——这种观念似乎已经融入设计师大脑，并在秀场大玩起来。这次，似乎时尚要赢得一分，在艺术面前，时尚作为仰望者，败也败在这儿，赢也赢在这儿……双赢也许来自更深的平衡。

艺术常被认为是时尚的缪斯。是装腔作势，是实至名归，我们拭目以待这场源于一块遮羞布的讨论……