美术教育学院和中国画学院的作品在媒材、技法等许多方面有相似之处，实际上很难说有泾渭分明的区别。美术教育学院主要展示了美术教育研究方向的作品，这些作品有着纯熟的技巧，体现了理论研究和创作相结合、强调应用与创新能力的教学理念。而中国画学院的研究方向则以媒材和题材划分，要求对传统既有深刻领悟又有当代的新意，注重观念的表达和转化。我们观看作品时，可以根据两个学院的教学宗旨，感受两派不同的创作风格，但更重要的方式可能是落实到每一个创作者个体，细细品味他们创作的特点。

除了中国画、素描、综合材料作品外，最令人眼前一亮的是吴慧平老师指导的四位研究生张援、李维、林泽凯、雷雅男共同创作的“文房书斋”。这组作品和建筑空间结合起来，包含了各种书法篆刻，还有屏风、卷轴、对联、纸面等多种展示方式，让观众对书法作品有更立体的感受。他们的作品在整体风格和谐统一的前提下发挥各自所长，凸显出书斋韵致的文人情怀。对于用不同的书体写就的作品，或古或今，吴慧平老师认为，这有点像用书法写成的“艺术史”，显示的其实是他们对于不同时代的书风的理解和领悟。

中国画为主的展厅里，周湧老师介绍道，这其中有不少作品运用了概念化的表达方法，这在中国画中是一种比较新颖的创作手法。概念化的表达方式，意思就是在画面中重复使用同一个符号或形象，来凸显或强调作者想要表达的概念。比如姚楚升的《人工智能生活》系列，在画面中重复描绘了许多古灵精怪的宠物鱼形象，在他一贯的作品中，这个符号展现的是人与动物的关系，而在这组画中，他以此来转喻数字时代人与人工智能的关系。张海为的《娱乐天空》系列灵感来自他读研期间喜欢的同名歌曲，表达了对都市人由于生活艰辛，与心中“浪漫和冲动”渐行渐远的感慨，作者通过一双接一双夸张的大眼睛，来表达他对返璞归真的童趣形象的渴望。吕宁宁的《脑力劳动系列》重复使用了放大镜的符号，表达了人与人交往的过程中放大彼此缺点、互相提防的心理，展示了一种扭曲的人际关系，可能是对当今社会信任危机的一种微妙的批判。

工艺美术学院的展区展示了工艺美术教研室、陶瓷艺术设计教研室和漆艺教研室不同专业方向的作品。工艺美术在中国同样有深厚的底蕴，国家一直倡导大力保护和发展优秀的传统工艺，而现代的技术、元素和观念，是激活传统工艺创新活力的重要源泉。

吴辰博的《人工智能之诗》通过编程，让人工智能创作出一首诗歌，又将诗歌的文字转换成图形符号，再利用陶瓷数码3D打印技术，创作出一组完全不同于传统陶艺的当代作品。孙奕周的《平衡》用陶、化妆土和金属釉等材料进行制作，魏华老师特意介绍道，这弯曲复杂的造型是作者亲手捏造出来的，融入了他个人的情感和态度。而且有意思的是，如果将这件作品当做“扩音器”，周围的声音通过管道“调节”，会变得奇特、神秘，仿佛它是一个有思想的生命体。潘玲的作品《层》和《镜像系列》使用了纸和生漆来制作，长时间的制作过程成为作品的一部分，显示了她对时光流逝的思考，通过层层叠叠的漆和精细的打磨，这些作品重新强调了漆和纸的物质性和厚重感。

总的来说，我们可以在这场展览中，找到有许多不同于传统的创作方法。在学院进行教学改革之后，工艺美术学院成为广美新建立的学院，美术教育学院经历过重组和调整，而中国画学院也不断改进教学的思路和方法。通过这些带有新风气的作品，我们得以一窥这几个学院在教学上的新风貌。而对于独立的创作个体，我们除了看到他们尊重传统的一面，也可以打破以往的刻板印象，从更具体的角度去观察青年艺术家在突破传统方面所作的努力，不必一概而论之。最后值得一提的是，在不少作品的说明牌上，都留有作者的社交媒体二维码，观众可以扫码直接和作者进行交流，这显示出毕业生希望走近大众和社会的心愿，也反映出智能手机时代观展方式的新变化。